— Quelle est ta pratique, ton métier ? (comment tu la nommes, la définis)
Danseuse, artiste interprète, je définis l'interprète comme un vecteur, un canal, un conduit.
Qu’est-ce que le chorégraphique pour toi aujourd’hui ?
Ce qui ouvre d'autres façons d'être en rapport – en regard – avec le temps et l'espace.
La composition de champs de vision, de champs d'écoute.
Ce qui perturbe, ce qui bouge sensiblement l'être au monde.
Quels sont les sujets que tu travailles et/ou qui te travaillent ?
La part manquante, insaisissable de ce qu'on donne à voir. Le manque.
La musique. Le ternaire / le binaire. La musique visuelle, d'espace. Le rythme.
Le style.
Questionner, troubler les rapports de force. Quelles ambivalences y résident ?
Les pratiques de superstition, les croyances.
Les principes mathématiques – arithmétiques, géométriques – qui orchestrent la chorégraphie.
Les icônes féminines à travers l'histoire et le regard que l'on pose dessus. Comment les institutions – politiques, économiques sociales et religieuses – déterminent la façon dont on les appréhende. Le corps en temps que surface de projection.
Les dispositifs.
Les territoires, les réseaux, les lignes.
L'architecture.
Le corps comme outil de mesure du temps et de l'espace, la géométrie (étymologiquement : la mesure de la terre).
La maîtrise des intensités, des énergies.
La choralité – le faire ensemble.
La forme.
Les signes.
L'histoire de la danse / l'histoire des danses.
Le contemporain.
La technique.
Le sacrifice, la dévotion, le divin, le rituel.
Les danses folkloriques.
L'analyse des différents modes d'appréhension du mouvement – mécaniques, géométriques, etc ...
Les différentes couches, surfaces de lecture d'une œuvre.
Les paradoxes.
Ce qui fait radicalité.
Apprendre, rendre mon corps intelligent et indépendant des dispositifs qui cherchent à le déterminer. En d'autres termes, (ré)éduquer mon corps.
La communication – ses outils, ses pratiques, ses réseaux.
N'importe quel sujet peut m'intéresser, du moment que l'axe de regard et d'étude le rend intéressant.
C'est aussi par la mise en tension de différents sujets, points de regard, informations, que naît l'intérêt.
Quels sont les artistes (toutes pratiques confondues) qui ont compté pour toi ?
— Qu’as-tu appris ou découvert auprès d’eux ?
Anne Teresa de Keersmaeker : la chorégraphie.
Christian Rizzo : la poésie , la mesure/la justesse, le groove.
Trisha Brown : la danse.
Maud Blandel : la collaboration, le déplacement de soi, la radicalité, la malice, le dialogue, le sens de l'équipe, le romantisme, la confiance, le courage, ce qui fait opération artistique, la joie au travail, l'amour inconditionnel d'une pièce qu'on porte au plateau.
Maguy Marin : l'intégrité.
David Zambrano : "Ce n’est pas si mal mais ... tu dois t’entraîner davantage !"
L'énergie pure, brute et tellement puissante de la danse, la jouissance de la danse.
Martin Kilvady : "Ne marque pas quand tu danses."
"Ce que je mets en avant, c’est l’option du pauvre, le partage des
connaissances, la communauté, l’évolution de la pensée et l’indépendance
vis-à-vis des structures, toutes les conditions, etc."
"Préfère la clarté à la confusion."
"Fais ce que tu aimes, sois totalement impliqué, fais de ton mieux, sois enjoué."
"Personne ne t’aidera alors aide-toi."
Patti Labelle : la puissante et juste intensité sur scène. Que la superficialité n'est pas toujours le signe d'un manque de profondeur.
Vincent Macaigne : le paradoxe.
Julie Guibert : l'élégance.
Leos Carax, Jean-Luc Godard, Wim Wenders, John Cassavetes, Pier Paolo Pasolini, Mickaël Haneke : le cinéma.
Schubert, Bach, Mozart, Beethoven, etc : la musique insaisissable.
Fiodor Dostoievsky, Virginia Woolf, Marguerite Duras, William Shakespeare, Milan Kundera : la littérature, l'écriture.
Comment envisages tu la relation aux publics ?
Je crois que je l'envisage de façon spontanée.
Que manque-t-il à notre époque ?
Il ne manque rien, tout est là. Peut être seulement le temps de la comprendre.