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. 10h-16h, Studio Bagouet, ICI—CCN 

À destination de danseur·euse·s profesionnel·le·s 
↳ Tarif unique pour le week-end : 80 € 
↳ Renseignement/pré-inscription : a.neussaint@ici-ccn.com

Biographie 
Né en 1981, Kerem Gelebek suit deux années d’études à l’université des Beaux-Arts Mimar-Sinan D’Istanbul, et intègre le CNDC à Angers. Il a collaboré aux créations de Jordi Gali, Nicolas Floc’h, Vera Mantero, Sylvain Prunenec, Ko Murobushi, Emmanuelle Huynh, Mustafa Kaplan, Filiz Sizanli, Fanny de Chaillé, Philippe Ramette… En 2007, il coordonne le festival international « Dance Camera Istanbul ». En 2008, il commence sa collaboration avec Christian Rizzo sur les créations mon amour (2008), l’oubli, toucher du bois (2010), Erwatung, Pierrot Lunaire, La voix Humaine (2010 – production du théâtre du Capitole de Toulouse) et qu’il poursuit sur le bénéfice du doute (2012), sur le solo sakinan göze çöp batar (2012), d’après une histoire vraie (2013), ad noctum (2015) et sur le syndorme ian (2016).

Note d’intention 
En s’inspirant de ses collaborations avec Christian Rizzo, Kerem Gelebek vous invite à vous exercer au changement, à la transformation et à l’adaptation du corps en tant qu’interprète. Traverser des constructions complexes à partir de tâches simples, se familiariser et appréhender une certaine manière de composer le paysage et l’espace.

Pour cette soirée, Ola Maciejewska entame les premiers pas de sa recherche de création 2025. Elle prend appui sur deux processus développés dans ses créations précédentes. Le premier est axé sur la déconstruction et la réinvention des emblématiques danses serpentines de Loïe Fuller, et l'autre est centré sur un ensemble de pièces qui explorent la tension entre la danse et la sculpture, ainsi que le sujet principal de la danse, qui est l'incarnation elle-même. À première vue, la combinaison des éléments apparaît comme une juxtaposition de vocabulaires distincts, mais alors se pose la question : à quel point sont-ils proches malgré des différences évidentes ?

Étrangement, les danses serpentines semblent plus humaines que le corps lui-même et c'est ce décalage, quelque chose d'organique dans l'artificiel et vice versa, qui devient le point de départ de la nouvelle création. Un double caché, quelque chose d'autre que l'humain dans l'humain.

→ Téléchargez la feuille de salle : ICI

Composer avec l’imprévisible, manier l’inconnu : un pari presque impossible, un paradoxe, sinon une allégorie du lien fragile entre les éléments et l’humanité. Deux corps, l’un de glace, l’autre de chair, font jaillir un mouvement qui n’est ni celui de la danseuse, ni celui de son excroissance gelée. Seule leur mise en relation révèle un geste chorégraphique élémentaire (toucher, porter, glisser, serrer, enlacer), où s’estompent les limites entre soin et destruction, brûlure et caresse, présence et disparition. Dans un paysage où fondent peu à peu les images, une sculpture mobile donne vie aux questions : qu’est-ce qui reste ? Qu’est-ce qui vient après ? 

→ Téléchargez la feuille de salle : ICI

. 10h-12h30, ICI—CCN 
— dans le cadre des Rencontres entre artistes 
 À destination de professionnel·le·s 
↳ Atelier soutenu par Life Long Burning financé par l’Union Européenne.
↳ Renseignements : n.berger-amari@ici-ccn.com

Dans le cadre de la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée, trois ateliers de pratique, dont un à ICI—CCN, seront proposés par des artistes à trois groupes où se mêleront des étudiant·es en art de Montpellier et Marseille (issus du Master exerce ICI—CCN, de l’École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier, de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier et de la FAI-AR) et des artistes des rives de la Méditerranée. 
 

— Atelier donné par Danya Hammoud 
Chorégraphe et danseuse libanaise, basée entre le Liban et la France

"La question qui ne cesse d’exister, c’est celle de la violence, ou plutôt du traitement de la violence dans l’art.
Le contexte politique et social de tout acte est le point à partir duquel je tire un fil dramaturgique dans mon travail. J’ai développé des outils qui me permettent de traiter cette question, en particulier dans les corps, le mouvement, le geste. Aujourd’hui cela commence à s’étendre vers d’autres outils et médiums ; L’image, le son, le texte. Et l’approche documentaire est devenue une de mes lignes directrices ces dernières années. Je m’intéresse de plus en plus à creuser dans ce qui est concret, et du concret voir la poésie surgir.

Nous travaillerons ensemble notre relation au présent à partir de documents qui permettent de réfléchir l’actualité mondiale. Je pense cet atelier, sous forme de laboratoire ; Où ce que je propose est ce que je me propose dans mon travail en cours."

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Danya Hammoud Chorégraphe et danseuse est née en 1981 à Beyrouth, vit et travaille entre le Liban et la France. Ses pièces comprennent : le solo Mahalli (2011) ; Mes mains sont plus âgées que moi (2014), trio avec KhouloudYassine et Mounzer Baalbaki ; Quatorze tours (2015), commande du Ballet du Nord-Olivier Dubois ; Il y a longtemps que je n’ai pas été aussi calme (2016), duo avec Carme Torrent ; O.T. (2016), commande du Sophiensaele, Berlin ; To Rest on a Slope (2017), avec le musicien Sharif Sehnaoui ; Boo tlegged (2019), une collaboration avec le chorégraphe sud-africain Boyzie Cekwana ; Sérénités était son titre (2020), duo avec Yasmine Youcef. Actuellement, elle travaille à la réalisation d’une série de films documentaires, intitulée POREUX. Lauréate du prix de la Fondation Boghossian, au Liban (2016), elle crée en 2018 l’association L’Heure En Commun, basée en Occitanie.
 En parallèle à son travail de création, elle dirige des ateliers et des cours au Liban et en France. Depuis la saison 2019-2020, Danya Hammoud est (pour trois saisons consécutives) artiste associée à La Maison CDCN Uzès Gard Occitanie.

+ d'infos sur les 2 autres Workshops : ICI

+ tout le programme : ICI
 

"Faire fleurir" — Première — création 2023
S’inventer un corps d’après, comme au plus proche du sol et de sa fraîcheur. Se défaire de sa verticalité pour se faire pierre, bête ou enfant. Grâce au « touché » singulier du breakdance, Nicolas Fayol montre qu’il existe, hors bipédie, bien des manières de « tenir ». Accompagné par deux musiciens, baignant dans un climat d’ombres et de lumières, il s’aventure, étape par étape, à hauteur de caverne. Comme un refuge pour le corps et l’imaginaire, ou un lieu secret pour enquêter sur leurs liens.
 

Après avoir questionné les rapports entre son et mouvement, Soa Ratsifandrihana souhaite aborder une nouvelle dimension. En convoquant une écriture radiophonique, où les mots portent des récits, un rythme propre, voire une musicalité, elle invite le public à s’interroger sur la manière dont la danse peut entrer en dialogue avec les mots.

C’est dans « le sillon du disque » que Soa Ratsifandrihana nous invite à éprouver l’appel irrésistible de la musique. Issu du swing des années 30, le « groove » désigne une forme de souplesse rythmique dont l’esprit infuse aujourd’hui bien d’autres styles. Mais comment la danse peut-elle à la fois s’allier et s’affranchir de cette temporalité ? Comment trouver son propre « groove » ? Aux côtés de deux artistes électro, elle entame un dialogue où les gestes, tout autant que les sons, donnent à entendre les silences et, avec eux, le plaisir de danser.

Rencontre avec Nicolas Fayol et son équipe autour du processus de création

S’inventer un corps au plus proche du sol et de sa fraîcheur. Se défaire de sa verticalité pour se faire pierre, bête ou enfant. Grâce à la technicité du breakdance, Nicolas Fayol fait exister, hors bipédie, bien des manières de « tenir ». Accompagné par deux musiciens, baignant dans un climat d’ombres et de lumières, il s’aventure, étape par étape, à hauteur de caverne et crée ainsi un refuge pour le corps et l’imaginaire, une cabane pour enquêter sur leurs liens.

Des morceaux de musiques peut-être, et surtout des morceaux, des fragments, des expérimentations qui tentent des rapprochements plus ou moins probables entre le corps (mobile), des matériaux ou objets (immobiles). Les espaces, les paroles sont vides et les sentiments passent comme autant de surfaces de projection pour le désir. Il y a comme des arrangements permanents : avec soi-même, et avec l’extérieur. Le temps nous fait recoller les morceaux et nous revoir.

Comment les choix ou les non choix composent ou défont une vie ? Comment déconstruire et reconstruire ? Très librement inspiré du Yi Jing, ou Livre des mutations hérité de la Chine antique, Erwan Ha Kyoon Larcher met son corps à l’épreuve des états - complémentaires, antagonistes - d’un mouvement perpétuel de transformation. Tomber pour mieux se relever, brûler pour renaître, lutter pour mieux résister. Opéra protéiforme aux ruses et moyens multiples, RUINE cherche dans les actes passés les potentialités d’un futur désirable. Un art de la divination, une poésie concrète faite de parpaing, de flammes et de gravier.

RUINE — Création 2019